Bruce Nauman, California,1941.



sábado, 24 de enero de 2009

ANDREA MANTEGNA /INGER CHRISTENSEN : La habitación pintada

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San Giorgio ,  el  palacio ducal de Mantua,  centro de la corte de los Gonzaga, fue donde Mantegna pintó la Cámara de los Esposos. Aunque el verdadero centro del primer Renacimiento fue Florencia, también los pequeños estados italianos, Mantua,Ferrara, Urbino, Milán... competían en el fomento de las artes que se habían mostrado útiles como forma  de ennoblecimiento y demostración de poder.



¡Qué bello llevar el cielo atado de un cordel
y desplegarlo ante la gente que mira embobada!

¿Qué sería mi pavo real sin su cola?
Amo a estos pájaros grandes y tontos,
que arrastran tras de sí la bóveda celeste,
que descubren lo que quisieran ocultar:
que el cielo es una cueva subterránea
en el fondo de una tierra aún mayor.
¡Qué bello llevar el cielo atado de un cordel!

[...]
¡Qué bello llevar el cielo atado de un cordel
y escuchar las palabras roncas de un pavo real!



INGER CHISTENSEN, la poeta danesa creó un universo de lenguaje ritmico, preciso y de alta densidad poética.Había nacido en Jutlandia en 1935 y ha muerto el 2 de este mes de enero. 

En la novela corta La habitación pintada (Ediciones del Bronce 1999), a la que pertenecen estos versos, fabula con la realidad del Mantegna que pinta la Camera degli sposi en la corte de los Gonzaga en Mantua y las andanzas amatorias y políticas del humanista Eneas Silvio Piccolomini que llegó a ser el Papa Pio II.

En la narración  Bernardino, el hijo de Mantegna de diez años, aportará con ingenuidad algunos datos  sobre la pintura de su padre. Inger Christensen nos permite recordar a uno de los grandes artistas  del Renacimiento, a pesar de no ser florentino pero que vivió en la Padua humanista  y  con una relación personal muy estrecha con Venecia.



Andrea MANTEGNA, nació en el límite entre Padua y Vicenza. Su padre era un modesto carpintero que para que Mantegna pudiera aprender el oficio de pintor le había colocado en el taller de Francesco Squarcione como hijo adoptivo y así consta en un documento del gremio de pintores de Padua fechado en 1441.

Cuando Mategna nació,en 1431, Florencia  estaba en pleno Renacimiento: ese año hacía ya tres que Masaccio, el primer pintor renacentista había muerto. Brunelleschi, estaba construyendo la gigantesca cúpula de Santa María de las Flores y Donatello acababa de terminar su David de bronce, el primer desnudo de tamaño natural y la primera escultura totalmente exenta desde la Antigüedad Clásica.

Padua no era un lugar central en el Quattrocento, pero tenía particularidades que podían resultar muy estimulantes para un joven con talento e inquietudes:
-  Una Universidad de las más antiguas y prestigiosas de Europa, interesada en el conocimiento filológico de la Antigüedad e impregnada de los valores antropocéntricos del Humanismo. Seguía la orientación  iniciada por Petrarca en el siglo XIV 
- En el centro de la ciudad, en el lugar en que en tiempos romanos estuvo un anfiteatro estaba (y está) desde el siglo XIV la Capilla Scrovegni , un edificio pequeño de una sola nave con las paredes llenas de frescos de Giotto, que ya “presentían” el Renacimiento por el sentido volumétrico de las figuras,  el espacio tridimensional y la mímesis, la imitación de lo que se suele llamar "realidad".
- Y también, los artistas toscanos que permanecían temporalmente en Padua o alrededores: Andrea del Castagno, Paollo Uccello…, y sobre todo la presencia mantenida de Donatello, que trabajó primero en la Basílica de San Antonio y más tarde realizó para la ciudad la primera escultura ecuestre monumental -desde la de Marco Aurelio en el siglo II-, del condotiero Gattamelatta. Además de la cercanía a Venecia, que pronto desarrollaría una escuela  pictórica  de primer orden.


PADUA.- Capilla Scrovegni o de la Arena, con las paredes llenas de frescos de Giotto de h 1306.

Squarcione no debió ser un gran maestro y sus pupilos se sentían explotados por él, pero coleccionaba restos antiguos: mármoles, monedas, inscripciones y ello contribuyó a estimular el interés de Mantegna por la Antigüedad cuyos vestigios buscaba con pasión y acabaron inspirando sus obras. Más tarde el contacto con humanistas, paduanos o no, le acercaron a las ideas propias del Humanismo y contribuyeron a dar a sus obras atributos renacentistas tanto por sus características formales como por su espíritu.


En 1453, un año señalado  por la Caída de Constantinopla y el fin de la Guerra de los Cien Años, -y que los historiadores  utilizan como fin de la Edad Media y comienzo de la E. Moderna-  fue también muy importante en lo personal para Mantegna.

Tenía 22 años y se casó con Nicolosia Bellini, hija de Jacoppo Bellini y hermana de Gentille y Giovanni Bellini, la familia de pintores más importantes de Venecia y el origen de la “escuela veneciana”. Giorgione, Tiziano, Veronés, Tintoretto…la pintura-pintura. Cuando se ven algunas madonnas de Mantegna no se puede evitar preguntarse si Nicolosia sirvió de modelo…y si fue un matrimonio por amor o de convenencia, o ambas cosas.


Mantegna era un excelente dibujante; sus grabados alcanzaron pronto difusión europea y fueron admirados y estudiados.  Durero los conocía y, junto con sus viajes a Italia, contribuyeron a que el artista alemán fuera el más meridional, el más italiano, de los pintores al norte de los Alpes,  El dominio de la perspectiva por Mantegna, -la invención del  florentino Brunelleschi-, fue total y hay dos momentos  donde  la emplea  con un dominio técnico y una capacidad de invención poco comunes: La Cámara de los esposos en el castillo de San Giorgio de Mantua que pintó por encargo de Ludovico Gonzaga y el Cristo Muerto de la pinacoteca de Brera.

En la primera hace un homenaje a la Antigüedad y abre una puerta hacia el futuro, sobre todo al Barroco y sus aperturas a cielos  infintos. El estilo de Mantegna se caracteriza  por la  expresividad del dibujo y el dominio  de las posibilidades de la perspectiva; por la búsqueda de las proporciones, la plasticidad de las figuras, una cualidad estatuaria que remite a Giotto, y más cercanamente a Donatello. Y estaba tan cerca de Venecia, tan ligado a los Bellini que también sabía utilizar con maestría el color.


Después de indepndizarse a los 17 años de su maestro Squarcione por el que se sentia explotado, en 1459, Ludovico Gonzaga, señor de Mantua le convenció para que se trasladara a su corte. En Mantua, salvo breves viajes a Roma y otros lugares, permaneció toda su vida; trabajando para los Gonzaga, primero para Ludovico y luego para Francisco II Gonzaga y su esposa Isabel de Este.Allí , en el castillo de San Giorgio, realizó una obra extraordinaria que no se parecía a nada conocido y que iba a ser el inicio de una serie de techos fastuosos abiertos hacia el cielo y paredes sustituidas por extensos paisajes : La cámara de los esposos.


Es una habitación de 8 x 8 m. pero Mantegna con imaginación, talento, ingenio y un prodigioso dominio de la perspectiva la amplió, por medios ópticos, hasta el infinito horizontalmente; y verticalmente, de la misma manera, la comunicó directamente con el cielo, o con el cosmos como sucedía con el enorme lucernario del Panteón de Roma. 

Cuando la familia Gonzaga y sus invitados entraron en la habitación el día se su inauguración, el 8 de agosto de 1474, debieron maravillarse. Si miraban al techo se encontraban con un lucernario rodeado de una barandilla con puttis, personas “reales”, como su señora de la casa Bárbara de Brandemburgo incluso un pavo real, y al fondo las nubes y el azul del cielo , como si fuera “real” en vez de pintado en un perfecto trompe l’oeil. Pero si miraban a las paredes. estas no existían, estaban ellos mismos y personajes de la corte de Mantua en medio de jardines o paisajes campestres. 

En la pared norte, Ludovico Gonzala, su esposa Bárbara de Brandemburgo, bajo guirnaldas de flores y frutas, rodeada de sus hijos y su corte .En la pared oeste se representa el encuentro de Ludovico y su hijo Francesco ya cardenal, y todos sobre un fondo de paisaje que se prolonga hacia el fondo y donde se divisan construcciones que desean recordar ciudades romanas o la misma Roma. Sobre la puerta una cartela sostenida por puttis hacía constanr en una inscrpción :" Al ilustrísimo Ludovico, segundo marqués de Mantua, príncipe óptimo y de fe inigualada, y a la ilustre Bárbara, su consorte, incomparable gloria de las mujeres; su Andrea Mantegna, paduano, hizo esta modesta obra en su honor el año 1474”.


                                      Ludovico Gonzaga y su esposa Bárbara de Brandemburgo (det.)




La habitación pintada

Técnicamente es una pintura al fresco, pero fresco seco, con el que se pueden lograr colores más intensos aunque resulta más dificil de ejecutar . En la novela de Inger Christensen, Bernardino, de diez años, hijo de Mantegna cuenta:


” No hemos ido a ninguna parte este verano, porque mi padre ha estado trabajando todo el tiempo, y todavía no ha terminado.

Pinta imágenes en todas las paredes de una gran habitación, allí arriba, en el castillo, y yo lo he ayudado a mezclar los colores, y también lo he ayudado con todo lo demás que hay que hacer, porque no se puede pintar sin más sobre las piedras que hay.



Antes, tenemos que mezclar la cal con la arena en una argamasa espesa que luego arrojamos sobre la pared y extendemos rápidamente para que quede bien lisa. Le damos otra capa, ésta más fina, que luego debemos mantener húmeda todo el tiempo, no mojada, sino lo justo para que se puedran dejar marcas con los dedos. Mi padre se pone furioso si la mojamos demasiado, o si se seca demasiado pronto, porque entonces el color no liga bien con la cal, dice, y todo se estropea…. (y sigue) También soy el encargado de ir, cada mañana, a por la leche para los colores. Yo mismo ordeño las cabras y cuando tenemos prisa, se necesita mucha leche…(…)Este verano mi padre ha tenido nueve ayudantes, sin contarme a mí. Lo único en que no deja que nadie le ayude son los rostros y el cielo y el paisaje del fondo..[...]
TIZIANO.1536. Isabel de Este, duquesa de Mantua.
LEONARDO. Retrato inacabado de Isabel de Este.(Florencia 1474-Mantua 1539)Fue una gran mecenas de las artes que protegió, entre otros, a Mantegna y a Leonardo y fue retratada por Leonardo y Tiziano.

Muerte de la Virgen. El cuadrito de El  Prado (54 x42 )formaba parte de un retablo que pintó Mantegna h.1461 que perteneció a Carlos I de Inglaterra, el rey que fue decapitado en 1649 y cuya fabulosa colección de arte se subastó después. 

En esa subasta Felipe IV de España la adquirió además de otras pinturas. A pesar de su tamaño en el paisaje que forma el fondo se muestra que también Mantegna había aprendido el virtuosismo y la sensualidad en la utilización del color de Venecia.

Lamentación por Cristo Muerto.h 1490.Témpera sobre tela. Pinacoteca de Brera.
Aparte de un cuadro religioso traspasado por el pathos es un tour de force de la perspectiva llevada a cabo como un escorzo total: el cuerpo de Cristo, perpendicular al plano, "abre" la bidimensionalidad del soporte para realizar la pintura como ventana, por la que se cuela la tridimensionalidad del mundo, que inventó el Renacimiento.

VASARI, En sus "Vidas"dice de Mantegna, a pesar de no ser toscano, que para él era lo máximo en arte:"las obras que hizo en Mantua le hicieron ganar tal fama en Italia que en pintura no se oía otra cosa más que el nombre de Mantegna". 

Quedan testimonios parecidamente elogiosos de Ariosto, Castiglione y otros escritores e historiadoes de la época y ...la crítica actual le sigue valorando igualmente.



Relacionado:
HEMINGWAY y los Mantegna de Milán .

domingo, 11 de enero de 2009

HENRI MATISSE, PARÍS, SALÓN DE OTOÑO, 1905

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HENRI MATISSE,es uno de los grandes-grandes artistas del siglo XX, por  talento creativo, dilatada imaginación, engañosa ligereza y absoluta libertad.




Inició el fauvismo, pero siguió una trayectoria fluida inclasificable, y con un  sello tan personal que a pesar de las metamorfosis de su larga carrera su mano es siempre reconocible. Desborda las clasificaciones, y su obra numerosa y variada sólo hace referencia a sí misma, aunque ha servido y sir
ve  de inspiración  a otros artistas. Gran dibujante, domina la línea rítmica y musical del arabesco y es un gran colorista manejando el color como la estructura que ordena el cuadro, como  aprendió de Cézanne.

En sus comienzos viajó a Bretaña donde pintó paisajes  en composiciones amplias que recuerdan a Courbet y Delacroix pero hacia 1898 su paleta se aclara y se hace más intensamente colorista.



                                hacia 1897

Dibujante, grabador y escultor,pero sobre todo  gran pintor, creó un mundo de formas fluidas y colores suntuosos, lleno de sensualidad y alegría de vivir, como tituló alguno de sus cuadros: “Luxe, calme et volupté” de 1904 , título que tomó de el poema de Baudelaire, L'invitation au voyage/Invitación al viaje, en el que en que repite en dos momentos los versos:

Là, tout n'est qu'ordre et beauté,
Luxe, calme et volupté.


Allí todo es orden y belleza,
lujo, calma y voluptuosidad.

                               Lujo, calma y voluptuosidad, 1904

Nació en Cateau-Cambrésis en 1869. Estudió Derecho pero, con gran disgusto de su padre, descubrió su vocación para la pintura y marchó a París. Allí estudió un tiempo con el pintor simbolista Gustave Moreau, donde conoció a Rouault y se relacionó con Dufy y otros discípulos de Pierre Bonnard.

Pero su formación la adquirió copiando a los grandes maestros en el Louvre y estudiando a Cézanne, guiado hacia él por el genial y generoso Camille Pisarro, que le hizo evidente la gran importancia para la nueva pintura de lo que estaba haciendo el solitario de Aix. La admiración que le despierta el trabajo de Cézanne hace que Matisse con  gran esfuerzo económico, a pesar del modesto precio, 1300 francos, compre al marchante Vollard uno de sus cuadros, Tres bañistas.

Cuando en 1936 ceda el cuadro al Museo de la Ciudad de París, dirá que esa pintura de Cézanne le había “sostenido espiritualmente en los momentos críticos de mi carrera de artista: he extraído de él mi fe y mi perseverancia”.



Estudiando a Cézanne había comprendido el valor constructivo del color; que los colores deben ser utilizados en su plenitud para crear la estructura del cuadro con la medida relación entre ellos y manteniendo la pureza de los mismos. En 1908, en un artículo en La Grande Revue, Matisse escribía:

“Lo que busco ante todo es la expresión…soy incapaz de distinguir entre mi modo de sentir la vida y mi modo de expresarla (…) Toda la ordenación de mi cuadro es expresiva. El lugar ocupado por las figuras o los objetos, los espacios vacíos que los rodean, las proporciones, todo representa un papel. La composición es el arte de ordenar de una manera decorativa los diversos elementos a disposición del pintor para la expresión de sus sentimientos”.


EL FAUVISMO, PARÍS SALÓN DE OTOÑO DE 1905

El Fauvismo es la primera vanguardia del siglo XX. Los métodos de los pintores fauves eran agresivos, el color  se hace autónomo, se desentiende de la naturaleza, un árbol puede ser rojo sin ser otoño, o azul. Habían aprendido la lección de los postimpresionistas, de Cezanne, Van Gogh y Gauguin. Matisse (1869-1954) que era sin duda el jefe del nuevo grupo declaró que su pintura era una reacción al neoimpresionismo, al divisionismo, aunque alguna vez al principio lo utilizó (Le bonheur de vivre), que se convertía en una mera sensación en la retina y destruía o diluía las formas y el espacio

El nombre les fue aplicado por el crítico Louis Vauxcelles en el Otoño de 1905, que comparando una pequeña escultura de Donatello que había en el Salón exclamó “Donatello parmi les fauves”..

En medio de la Belle Époque el fauvismo sonó como un pistoletazo y eso fue. En 1906 moría Cézanne y se hizo una gran retrospectiva que haría vibrar los cimientos de la pintura.

En 1905 todavía Picasso pintaba su familia de saltimbanquis en tonos pastel, pero en 1906 “construyó” el retrato arquitectónico de Gertrude Stein y 1907 fue el año de Las señoritas de Avignon,el equivalente para la pintura a nueve grados en la escala Ritchter en un seísmo.

1905, estuvo lleno de acontecimientos importantes, entre ellos se pueden destacar por sus futuras repercusiones en distintos ámbitos:
Einstein formula la teoría de la relatividad,
Muere Julio Verne
El 4 de junio se subleva la tripulación del Acorazado Potemkin,
Max Weber publica “La ética protestante y el espíritu del capitalismo”,
Japón gana la guerra ruso-japonesa
Manifiesto en Rusia que obliga al zar ha introducir reformas democráticas,
Se forman los soviets,
Freud, teoría de la sexualidad
Picasso pinta :Familia de saltimbanquis…hermosa, pero todavía en su época rosa.

El Fauvismo. En el Salón de Otoño de 1905 estaban las obras de aquellos pintores que dirigía Henri Matisse y que al cabo de unos años se disolvería como grupo: Derain, De Vlamick, Marquet,Duffy, Braque…. De Matisse estaban La alegría de vivir y dos retratos de Madame Matisse, entre ellos  el que atraviesa el rostro  una provocativa línea verde.

La nueva pintura se caracterizaba por:
El protagonismo del color. Los colores primarios ( rojo, amarillo y azul) eran dominantes y utilizados de forma arbitraria sin ninguna relación con la realidad visual, pero sí aplicados con una estudiada relación de “peso” y “armonía” al combinarlos con los colores secundarios y complementarios.

Pinceladas rápidas empapadas de materia pictórica,extensas manchas planas de colores saturados, contornos discontinuos... Buscaban sobre todo la inmediatez de la expresión, la intensidad y estaban cargados de emociones plásticas.
La alegría de vivir, 1905

Matisse en La alegría de vivir resume el espíritu del fauvismo: planos sin relieve de color, contornos ondulados y realzados con una simplificación que busca el primitivismo que sugiere el hombre en estado de naturaleza tan buscado por Gauguin. Pero el tema es más una escena pagana en el sentido clásico, incluso un recuerdo de una bacanal de Tiziano. Matisse se muestra como un gran conocedor de la historia de la pintura que ha trabajado en el Louvre y que completará en sus viajes. El cuadro es revolucionario por su simplicidad, por su radical esencialidad sin perder significado plástico. La profundidad espacial no es la tradicional pero sí la necesaria para la nueva pintura, los espacios vacíos también tienen una función en la construcción de la imagen. Matisse muestra una actitud no angustiada, de contento, del placer de vivir, tan ajena a otros artistas, como mostrará más tarde en La Danza o en La música.
La música
La danza


Madame Matisse

El Retrato de Madame Matisse o Retrato femenino con raya verde, es el equivalente a un manifiesto fauvista: por el uso subjetivo del color y la distorsión de las formas. Los colores complementarios (amarillos-morados, verdes-rojos) resaltan aún más los contrastes. La pincelada constructiva que recuerda a Cézanne, la simplificación plástica  y la gran raya verde que atraviesa el rostro son revolucionarios. Picasso tal vez palideció, pues aunque se conocían y  trataban -en casa de Gertrude y Leo Stein- había una secreta competencia entre ellos y Matisse estaba lleno de ideas. La pintura que está firmada en el ángulo superior derecho, representa la  nueva concepción de cuadro que formuló Maurice Denis, una superficie coloreada en cierto orden, antes que la representación de cualquier objeto concreto.

Hay fechas importantes en la vida del Matisse pintor:
En 1904 el marchante Ambroise Vollard le organiza una exposición que resulta un fracaso.
En 1906, hace su primer viaje a Argelia,





Viaja a Italia y en 1908 se  organiza en la Galería 219 de Alfred Stieglitz su primera individual en nueva York.En 1911 viaja a Moscú a instalar la Danza y La Música. En 1913 participa en la mítica exposición de el Armory Show de Nueva York y en la Secesión de Berlín…,1916 primer invierno en Niza...







Siguió pintando toda su vida y cuando la vista le falló, hizo collages de recortables llenos de la gracia  y el talento que le acompañó siempre. Se instaló en Niza donde vivió muchos años y murió en 1954.



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Están representadas todas las etapas de su pintura, pero su producción es inmensa. Las tres primeras pinturas del post se corresponden con su periodo de formación , cuando aún "no es" Matisse. 

Su pintura asombra por su sencillez, por la falsa idea de facilidad, que los artistas de verdad saben que es aparente y engañosa y sólo la puede conseguir un verdadero genio imaginativo y plástico,  capaz con cualquier gesto de producir belleza .




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jueves, 1 de enero de 2009

Ingrid Bergman, lo único verdadero en...CASABLANCA

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En una pausa de descanso se enciende la tele sin mucho interés, pero recorriendo diversos canales sin atractivo se tropieza con Casablanca, ya empezada y vista innumerables veces y que se sabe un mito intocable

Se la sigue desapasionadamente, recordando, la primera vez que se vio en el cine, la compañía, la lluvia, y todas las veces que se ha vuelto a ver con emoción ,mientras los fotogramas se suceden, se desarrolla la historia, suena la música y los actores intervienen... y por primera vez  se es consciente, como si se cayera   en  Damasco ,de que tiene todos los ingredientes de  una mala película.



Todos sobreactúan, los decorados, el guión,-a pesar de los diálogos chispeantes pero hechos con frecuencia de tópicos-, los actores, la música,hasta la niebla... e incluso  Bogart, haciendo de Bogart. Pero Ingrid Bergman resplandece, no sólo por su belleza luminosa, sino como una  actriz excepcional en cualquier ocasión. Admira  verla moverse, estar, hablar, mirar...y la voz, si es -como en el post- en versión original...

Y si todo lo demás es falso... ¿por qué se adora Casablanca? ¿Por qué es la película preferida de tanta gente?.

Posiblemente porque es un artefacto verdadero, arte...magia pura. Esa transformación ¿del plomo? en oro  que buscaban  los alquimistas.Y, además, nunca ha sonado mejor La Marsellesa.



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