Bruce Nauman, California,1941.



sábado, 25 de septiembre de 2010

El Horror del Arte Contemporáneo/ Marina Abramovic & Arthur Danto

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Añadido posterior al Post:

"NO LLAMEMOS ARTE AL ARTE CONTEMPORÁNEO"

Es el título en El País ,28/09/2010, de una entrevista con el  ensayista francés, Marc Fumaroli, en la que habla del arte contemporáneo como un arte para el mercado,de consumo, sin valor estético, un juego de snobs al que la mayor parte del público da la espalda con razón mientras acude en masa a museos como el Louvre. Está presentando su libro París-Nueva York-París que  se inicia con un texto de Baudelaire sobre el Salón de 1859. En él  una frase que parpadea como si estuviera escrita en neón y aludiera directamente a una parte importante del arte contemporáneo:
"Por el hecho de que lo Bello sea siempre asombroso, sería absurdo suponer que lo que es asombroso es siempre bello."
El resto está escrito por alguien que sabe mucho sobre el tema y que merece la pena escuchar, aunque sea para discrepar, a veces.


M.Fumaroli (Marsella, 1932) es una autoridad reconocida en temas culturales. Catedrático de la Sorbona y del Collège de France, autor de relevantes obras de literatura francesa y numerosos ensayos. Aunque sólo se le conozca por la presentación que hizo de Memorias de Ultratumba de Chataubriand, se sabe de su plural cultura y pensamiento poco convencional.


Así se muestra en París-Nueva York- París, que es difícil dejar de leer una vez empezado; despierta en seguida el interés del lector y es absorbente desde muchos puntos de vista:de lo que cuenta, un viaje por el arte desde la Antigüedad a nuestros días con paradas especiales en París y Nueva York; lo cuenta, con rigor y amenidad;además y su inteligencia provocadora logra un libro interactivo: reta dialécticamente al lector a revisar sus ideas sobre arte contemporáneo o no, continuamente.No siempre se llega a la síntesis, Fumaroli se queda con su tesis y el lector con su antítesis pero ha valido la pena confrontarse con él y el cerebro ha ganado  músculo y plasticidad.

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EL HORROR DEL ARTE CONTEMPORÁNEO


Desde la segunda mitad del siglo XX las transformaciones en el mundo del arte se han acelerado;la realidad visible como modelo -que se remonta al Renacimiento y había sido dinamitada por las sucesivas vanguardias- ha sido ampliada a la totalidad de la realidad -la visible y la invisible- a todo aquello que afecta al hombre y cuya utilización por el artista es capaz de provocarle una emoción estética; por ello las obras consideradas artísticas han invadido parcelas no tradicionales: utilizando otras formas, pero también otros materiales,otras técnicas, otros soportes y otros contenidos que las hacen herméticas y cada vez más extrañas para el público que se acerca a ellas buscando un significado oculto, no puramente plástico o estético, y que al no acertar con la supuesta clave les da la espalda en su totalidad.

A este respecto el artista norteamericano Frank Stella que practica a menudo una pintura de extremada austeridad geométrica y brillante colorido plano ya advirtió -a un público empeñado en mirar la nueva pintura con los valores humanistas de la pintura antigua-  que una pintura es un objeto con valor en sí mismo y remachó: "mi pintura se basa en que lo único que hay es lo que se ve".

Marina Abramovic ,Belgrado 1946


El arte contemporáneo se ha vuelto  inabordable desde que la idea creadora se ha convertido con el arte conceptual, en la generadora de pensamiento visual y " productora de valor artístico" por encima y al margen de los aspectos artesanales de la obra, tan importantes antes.

Para muchos artistas reconocidos, entre ellos Sol LeWitt, lo importante es la idea y la composición, el proceso de creación;el arte como investigación de la realidad y a veces del mismo arte ¿qué es el arte? es la pregunta que plantea cada nueva obra; la realización es algo secundario que puede ser llevado a cabo por otros: él creaba obras que realizaban en la sala de exposiciones o en el museo ayudantes.

Murales de Sol LeWitt

Hace pocos años hubo obras de Sol LeWtt en el Guggenheim de Bilbao: monumentales murales minimalistas de depurada abstracción geométrica y sutil aura poética, realizados sobre las paredes del museo; posiblemente en aquella ocasión el artista personalmente ni siquiera estuvo en la ciudad.

El mismo LeWitt en 1967 afirmaba en la revista Artforum:
"En el arte conceptual la idea o el concepto es el aspecto más importante de la obra[...] toda la planificación y las decisiones se hacen de antemano y la ejecución es un asunto descuidado. La idea se convierte en la máquina de hacer arte."
El arte pretende pasar de ser una experiencia predominantemente visual a una experiencia donde el peso recaiga en lo puramente intelectual, pensamiento visual.

No debiera parecer tan extraño; sucede con la música, desde siempre: los compositores, hasta los grandes crean una sinfonía o una pieza de jazz o de pop... y no es necesario que sea él mismo compositor quien la interprete.Además ese conjunto de sonidos existe mientras suena, nadie lo posee ni se lo puede llevar a casa como un cuadro o una escultura tradicional y con cada intérprete se producen variaciones , -no como las improvisaciones del jazz-,sino por el intento del intérprete de ser fiel a la idea que tiene del compositor o de la época o al instrumento, o a sí mismo y que en cierto sentido, mantienen la tensión de la creación viva.
Cristo Javacheff, The Gates, Central Park, 2005

Parte del arte contemporáneo ha dejado de ser un objeto tangible, para convertirse en una experiencia que modifica de una forma u otra al espectador, aún a su pesar; de esas performances, instalaciones, acciones artísticas en general, quedan reproducciones,vídeos, fotografías, discos...capaces de conjurar, en el sentido de convocar, la sensación verdadera, aunque no sea la misma que la experimentada en directo.[Las imágenes que quedaron de The Gates del búlgaro Cristo en Central Park producen emociones, pero no como las de quienes pudieron pasear aquellos días de invierno de 2005 entre las telas azafrán ondeando e inundando de luz y color el espacio entre el cielo encapotado y el suelo con nieve.]
El artista francés Marcel Duchamp, (1887-1968) = R. Mutt

El giro en el concepto de arte a este nuevo modelo es un camino largo en el que no se puede olvidar a Marcel Duchamp, el señor Mutt, que en las primeras décadas del siglo XX firmo así un urinario al que llamó Fuente, lo presentó anónimamente en una exposición y lo elevó al rango de obra de arte.Con ese ready -made consagrado por el artista y "el museo",se ampliaban todas las posibilidades que habían quedado abiertas con Dada;todo le está permitido al artista: el ready-made,arte protoconceptual, supone la capacidad del artista para transformar un objeto industrial, fabricado en serie, en obra de arte; la indiferencia entre original y copia, la primacía de la idea frente a la ejecución...hasta llegar al artista como máquina de producir arte de Warhol, Lewitt...

El poder alquímico del artista capaz de transmutar un objeto cotidiano en un objeto artístico con sólo su elección,es reconocido en espera de que el tiempo lo respete y confirme, o no. Y el tiempo...dirá, pero Fuente tiene casi cien años.
De Duchamp dijo Willem de Kooning en 1951, según cita Roberta Smith en Conceptos de Arte Moderno:
"Y después está el movimiento de un solo hombre, Marcel Duchamp -para mí un verdadero movimiento moderno porque implica que cada artista pueda hacer lo que debe- , un movimiento para cada persona y abierto a todos."

R. Mutt, Fuente,1917, Nueva York.

Son muchos los que piensan que todo el arte contemporáneo es un timo, una broma, una tomadura de pelo.Por una parte algún artista ha dicho, que "todo el arte fue alguna vez contemporáneo", y difícil de asimilar por tanto para la mayoría; basta recordar el escándalo que supuso el, ahora, inofensivo y hasta trivializado Impresionismo.Y sin embargo en otro sentido una obra de arte de cualquier época es siempre contemporánea.

El Cultural del Mundo, 17-9-2010, dedica un reportaje al descrédito del arte contemporáneo, con interesantes artículos sobre el tema. Uno de ellos, Críticos Lumpen del crítico norteamericano Arthur C. Danto señala además , lateralmente, otro aspecto inquietante de los nuevos tiempos.

Danto toma como ejemplo a la artista Marina Abramovic, cuyas singulares obras cree sinceras, aunque no fuera más que por lo duras y arriesgadas. Esta primavera en la performance maratoniana que realizó Abramovic en el vestíbulo del MoMA, The artist is present, trataba de establecer un vínculo entre el artista y el espectador; la artista sentada frente a una mesa;al otro lado una silla en la que diversos voluntarios toman asiento en periodos sucesivos y que no permaneció nunca vacía.La performance era grabada continuamente y Danto comprobó que muchos de los participantes mientras permanecían sentados frenta a la artista lloraban en silencio; decidió tomar parte en la acción para comprobar qué se sentía y escribió sobre su experiencia en el New York Times del 23 de mayo.



Al periódico llegaron 181 correos con comentarios de lectores, la mayoría negativos, en los que se expresaba el descontento y desconfianza por el arte contemporáneo y se aprovechaba desde el anonimato y sin riesgo alguno por tanto para "escribir virulentas observaciones como francotiradores agazapados".(...) Los autores de los comentarios no se involucran. Se mofan desde los márgenes. Son críticos lumpen. " Y termina el interesante texto :"Pienso que el arte no tiene la obligación de hacer nada para responder a estos insensatos ataques y que la existencia de internet hace enormemente fácil emponzoñar el ciberespacio". Las últimas frases de Danto desbordan lo puramente estético, aunque no lo abandonan y ponen de manifiesto que los nuevos medios favorecen comportamientos anti-éticos facilitados por el anonimato de la red que producen "críticos lumpen" que "empozoñan el ciberespacio".

Muchas obras de arte contemporáneo no resistirán el paso del tiempo,algunas ni siquiera unas horas, y desaparecerán convertidas en chatarra,en basura pseudoartística (puede que entre otras el tiburón en formol de Damien Hirst); pero unas pocas, las menos, permanecerán diciendo cosas capaces de conmover a gentes de otras generaciones; continuarán produciendo emociones e intensificando los sentidos que son los sensores que tiene el hombre para realcionarse mejor con la totalidad del mundo y que es una de las funciones de cada una de las manifestaciones artísticas, y se convertirán en clásicos; por razones complejas y también misteriosas, como parece vaya a pasar con Fuente, del señor R. Mutt.


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4-04-2011, La policia china detiene al artista activista Ai Weiwei
10-04-2011,no hay que olvidar a ai weiwei:-sin-noticias-del-artista detenido
21-04-2011-hackers chinos atacan la web que reune firmas para liberar a Weiwei
24-04-2011, "El País": ¿Dónde está Weiwei?
25-04-2011,"El País", Salman Rushdie: Libertad para Ai We wei


LO ÚLTIMO EN ARTE CONTEMPORÁNEO:
INSTALACIÓN EN LA TATE MODERN : Sunflower Seeds



Cien millones de pipas llenan la Tate Modern El artista Ai Weiwei ha tapizado el suelo de la Sala de las Turbinas con más de cien millones de pipas de porcelana

EMILI J. BLASCO / corresponsal de ABC en Londres
Día 12/10/2010 -
Ai Weiwei, ayer en la Tate Modern tirando algunas pipas al aire. AFP.

La nueva instalación de la Sala de Turbinas de la Tate Modern, del artista chino Ai Weiwei, responde a magnitudes realmente chinas: cien millones de pipas hechas de porcelana, creadas a mano y pintadas una a una por 1.600 artesanos durante dos años, ocupan los 1.000 metros cuadrados del suelo del museo londinense.
Sobre esas semillas de girasol perfectamente imitadas -otra cualidad china-, el público se comporta como lo haría en la playa o sobre la nieve: los pies pisan las pipas, las manos las tocan, los niños se las tiran unos a otros y hasta cabe meterse unas cuantas en el bosillo para llevárselas como recuerdo. La Tate “desaconseja” que se roben, no sea que los dos millones de visitantes esperados acaben con todo el semillero (tocarían a cincuenta pipas por cabeza).
Esta experiencia visual, táctil y acústica (el crujir de las semillas, irrompibles, bajo los zapatos) responde a dos ideas, evocadas por el propio Ai Weiwei este martes en la presentación de “Sunflower Seeds” (semillas de girasol), la undémima instalación de la Serie Unilever que anualmente, desde la apertura de la Tate Modern en 2000, llena la magna Sala de Turbinas de esta antigua central eléctrica.
Un espacio «para el placer»
“Por un lado me traen recuerdos de la Revolución Cultural”, dijo Weiwei, nacido en 1957 en Pekín, nueve años antes de que comenzara ese decenio negro de la era Mao. “Mientras a los individuos se les robaba la libertad personal, la propaganda presentaba a Mao como sol y al pueblo como girasoles dirigidos hacia él”. Pero al mismo tiempo, comer pipas “era un espacio para el placer, la amistad y la amabilidad durante un tiempo de extrema pobreza, represión e incerteza”.
«La volución hacia una sociedad cada vez más democrática es imparable»También cabe sumar otra interpretación, apuntada por Sheena Wagstaff, responsable de la muestra: así como tantos millones de chinos desde aquí nos pueden parecer iguales “cuando se miran de cerca se ve que cada uno es distinto”, como esas pipas hechas una a una en la localidad china de Jingdezhen, en la que existe tradición milenaria en la producción de porcelana. Weiwei, según confesó, sólo hizo “tres o cuatro” de ellas.
El artista, que vive y trabaja en Pekín, dio muestras de su línea política contraria a la dictadura comunista de su país, aunque lo hizo en términos de una disidencia suave y no abrupta. “Ahora tenemos más libertad, pero en ciertas áreas sigue habiendo una dictadura. Lo puedo conllevar, un artista siempre tiene que afrontar dificultades”, afirmó. Consideró que la concesión del Nobel de la Paz a Liu Xiacobo “no tendrá efecto” en el sistema, si bien indicó que la “evolución hacia una sociedad cada vez más democrática es imparable”.


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Revista de prensa: últimas noticias sobre el artista

LA POLICÍA ARRASA EL ESTUDIO DELL ARTISTA DISIDENTE Ai Weiwei
J. R. - Pekín - 05/11/2010


Ai Weiwei, uno de los más renombrados artistas chinos y gran crítico del Gobierno, conocido, entre otros, por su diseño vanguardista del estadio olímpico de Pekín, continúa sus encontronazos con las autoridades. El artista, de 53 años, ha organizado una cangrejada el próximo domingo en Shanghái para celebrar la demolición de su estudio en la capital económica y financiera del país. Agasajará con vino y 10.000 cangrejos a quienes acudan al banquete. El número 10.000 tiene fuertes connotaciones políticas en China, ya que era utilizado en los eslóganes maoístas, mientras que cangrejo de río (hexie) se pronuncia en chino de forma parecida a armonía, el concepto que se ha convertido en el mantra del departamento de propaganda del Partido Comunista Chino (PCCh). En los blogs del país asiático, se dice que un mensaje ha sido "armonizado" para decir que ha sido censurado.

Ai asegura que fue invitado hace dos años a unirse al desarrollo de un nuevo barrio artístico en el norte de Shanghái, y que el Gobierno municipal ha declarado ahora el estudio ilegal. El artista cree que se trata de una trampa tendida por su activismo y sus continuadas críticas a los excesos gubernamentales.

Las autoridades afirman que el proyecto es ilegal y niegan que haya conexión entre la demolición y su disidencia. "El estudio de Ai no ha seguido los procedimientos pertinentes, por tanto, es un edificio ilegal", ha asegurado Chen Jie, director del departamento de urbanismo de Malu, donde se encuentra la construcción, en el periódico en inglés Global Times, ligado al Diario del Pueblo, órgano oficial del PCCh.

Ai Weiwei ha producido dos documentales sobre sendos casos muy controvertidos en Shanghái. Uno sobre Yang Jia, un joven que mató a cuchilladas a seis policías en una comisaría y fue ejecutado en 2008, en medio de acusaciones de abusos de la policía; y otro sobre Feng Zhenghu, un activista, que vive en Shanghái, a quien las autoridades negaron el permiso para regresar desde Japón a finales de 2009 y pasó más de tres meses en el aeropuerto de Narita, en Tokio.

El coste del estudio de Ai Weiwei, una vez completado -la decoración interior está aún en proceso-, ronda un millón de dólares. El artista tiene otro estudio en Pekín, donde vive, en una zona también amenazada de demolición. Ai diseñó el estadio nacional, conocido como el Nido de Pájaro, pero, después, criticó su utilización propagandística y se negó a asistir a la inauguración de los JJ OO. Es uno de los pocos artistas chinos que expresa de forma abierta su oposición al Gobierno, y ha convertido, con ironía, sus choques con las autoridades en el corazón de parte de su creación artística, bajo riesgo de acabar en prisión. Actualmente, tiene una gigantesca instalación en la galería Tate Modern, en Londres, en la que exhibe 100 millones de pipas de girasol de porcelana pintadas a mano.

1 comentario:

Javier García dijo...


Un artículo sobre Danto:
Danto, ese sabio

http://www.margencero.com/almiar/arthur-danto/